Le blog du krinomen

Un spectacle où tout EST très bien

Hélène Godet a présenté sa pièce Poudre, « Un spectacle où tout va très bien » lors du festival Premier Acte Avant Récidive. Il permet aux étudiants en master de mise en scène de l’université de Bordeaux Montaigne de montrer des projets professionnels ou en voie de professionnalisation. Et effectivement, tout va très bien dans ce spectacle. Sous l’angle du burlesque, Hélène Godet raconte les péripéties d’une Marquise une heure et quart avant la révolution. Accompagnée de ses deux valets, ils attendent une amie pour le goûter. Pour occuper le temps, elle raconte des histoires et joue avec eux… Ils sont dociles mais bientôt les premiers doutes surviennent. L’un se moque puis pose des questions et l’autre répond, mais pendant ce temps entre deux rires, les spectateurs peuvent également s’interroger sur leur condition. A côté du spectacle de ce milieu noble, pour évoquer les grondements de la révolution, un chœur de trois chanteuses interprète des airs connus du répertoire populaire ou classique révélant l’intolérable insouciance de cette fantasque marquise.

Et puisque ce petit monde tourne autour d’elle, parlons-en. Pauline Blais interprète une marquise à l’énergie comique inépuisable. Elle se sert de tout ce qu’elle a à disposition pour provoquer le rire du spectateur. Rien n’est épargné et sa première arme c’est son corps. Elle bouge dans tous les sens, se pose dans toutes les positions. Ici point d’étiquette, seule compte l’efficacité comique du geste. Rien ne l’arrête. Si pour mieux voir et appeler un valet, il faut monter sur une chaise, peu importe la robe à panier, Madame réussira à monter. Son costume renforce la qualité loufoque de son comportement. Le traitement qu’elle inflige à sa coiffure en est un exemple des plus parlants. Vertigineuse et fleurie, cette dernière se balance au bout de sa tête avec une amplitude toute menaçante de faire écrouler ce si joli travail. On est loin de l’image d’Epinal qu’on donne des dames de l’époque et cet écart fait du bien aux zygomatiques. N’oublions pas cependant ses valets et leurs remarquables interprètes : le niais Jean joué par Pascal Laurent et l’ironique Valentin par William Petipas. Tous deux sont des appuis de choix pour notre protagoniste qui se plaint d’avoir des serviteurs médiocres mais qu’elle a toujours eu à son service. Prenant de plus en plus de place et d’importance dans la pièce, ils finissent par révéler, bien malgré eux, aux spectateurs les conséquences de leur aliénation d’esclaves qui ne portent pas ce nom. Ils sont l’image même de celle qui les a tant mal que bien éduqués. Leur idiotie du début de la pièce, qu’on prenait pour une marque de leur propre caractère, devient un symptôme de leur maladie sociale. Alors notre rire ne se tarit pas mais peut prendre une teinte jaunâtre si, en se mettant à leur place, nous nous demandons ce qui, dans le monde réel, nous abêtit.

A l’image de la marquise qui fait feu de tout bois pour que nous passions un agréable moment, tout le spectacle développe cette démarche visant à se servir de tout. La scénographie et la mise en scène sont modulables pour pouvoir s’adapter librement à chaque lieu de représentation. L’exemple le plus significatif d’une utilisation pertinente de la salle de spectacle de la Maison des Arts - parmi tant d’autres - se situe au final de la pièce. Le chœur interprète sa dernière chanson sur le pas de la porte menant au gril des projecteurs. Il profite ainsi de la résonnance du couloir de service et de la position en hauteur par rapport aux spectateurs. Cette chanson prend ainsi une dimension spectaculaire bien plus grande et une force symbolique accrue puisqu’avec une position surplombante et une sonorité d’église, elle a l’allure d’une sentence irrévocable, presque divine, même si c’est le peuple qui frappe aux portes.

Questionnant notre servitude, cette œuvre se fait l’écho des luttes que chacun pourrait vouloir mener de nos jours. En outre, Poudre est un spectacle où tout est très vivant. Tout est susceptible d’évoluer, de bouger, de s’adapter aux nouvelles contraintes que rencontrera la troupe. Cet enthousiasme créatif est de bon augure pour la suite. Ce ne sera jamais une forme figée, toujours prête à enflammer nos cœurs et nos pensées. |

JULIEN RATEAU

Un spectacle d'Hélène Godet, assistée d'Amély Colas.

Avec : Pauline Blais, Pascal Laurent, William Petipas et Ypresis : Laurine Clochard, Marion Chommaux, Louise Fuseau.

Costumes et coiffures : Hélène Godet et Amély Colas

Création lumière : Richard Manoury

Création Maquillage : Marine Soulié

Critique du spectacle Le mouvement de l'air de Adrien M et Claire B

Adrien Mondot et Claire Bardainne ont présenté leur nouveau spectacle, Le mouvement de l'air, au Théâtre des Quatre Saisons, le vendredi 5 février 2016. Le travail de leur compagnie s'appuie depuis plusieurs années sur le mélange des arts numériques et chorégraphiques. Adrien Mondot, créateur du logiciel eMotion[1], propose une conception numérique interactive générée et animée en direct qui est projetée sur un écran scindé en deux et sur le sol. Jérémy Chartier, musicien crée, sur le plateau, une ambiance sonore et musicale à l'aide de percussions, de guitares (électrique et acoustique) pour accompagner les trois danseurs. Comment ce spectacle réussit-il à créer un univers illusoire au-delà de l'aspect technologique ?

Le ton est rapidement donné avec un premier tableau au rythme très enlevé où les trois danseurs circulent de cour à jardin en privilégiant une succession de ruptures, de portés et d'accélérations. S'ensuivent alors plusieurs tableaux, avec différentes empreintes esthétiques. Ces changements d'ambiances sont généralement initiés par la création numérique qui, selon les couleurs et les modèles animés, influent les danseurs et le musicien. Le spectateur évolue donc entre des ambiances oniriques (fumée au plateau, nuages projetés, danseurs en suspension), graphiques (lumières noires et blanches, lignes lumineuses, jeux d'ombres et pixels) et d'autres plus poétiques (projections évoquant des clapotis, mouvements très lents au sol, lumière bleutée). Ainsi, la création numérique devient un cinquième interprète, qui donne le ton aux autres, qui plante le décor. Du derviche tourneur, aux corps en suspension en passant par les passages au sol, tout est fait pour faire oublier la pesanteur, la frontière de l'aérien et du terrestre…

Ce qui transporte dans ce spectacle c'est la non-visibilité de l'effort. Les danseurs enchaînent les portés insolites et remarquables sans les annoncer ni les accuser. Ils deviennent acrobates, suspendus à plusieurs mètres du sol, sans que cela soit mis en scène comme exceptionnel. Et c'est peut-être cela qui fait la richesse du spectacle, l'absence de besoin pour les concepteurs de prouver, d'appuyer, le caractère extraordinaire ou difficile. Le spectateur a donc la possibilité d'être uniquement happé par la beauté, l'esthétisme du mouvement, l'enchaînement fluide des pas. C'est de cette fluidité que vient l'impression d'effort invisible, on ne voit que des corps qui se meuvent, les costumes sont confectionnés pour maximiser la liberté du mouvement. Ainsi, le regard est happé par ces corps qui deviennent lignes et formes, il s'agit d'accepter les corps comme fusionnant avec le dispositif numérique et donc comme partie intégrante de celui-ci.

Et voir des corps au plateau, non plus des corps sexués mais indifférenciés, permet de savourer uniquement leur technique. Aucun des trois interprètes ne porte plus que les autres le spectacle, ils sont tous danseurs, se portent, dansent les uns avec les autres sans considération de genre ou de sexe. Ce type d'initiative est à saluer, surtout quand, comme ici, ce n'est pas un choix engagé, revendicateur mais uniquement motivé par l'envie d'esthétisme et d'égalité des corps. Voir ainsi cette indifférenciation au plateau de façon naturelle et non argumentée a été un réel plaisir.

Ainsi, avec Le mouvement de l'air, Claire B et Adrien M, conjuguent un dispositif scénique et technique avec la danse et la musique. Le résultat est d'une cohérence absolue, et permet une unité qui pousse à l’émerveillement. Tout fonctionne de façon si parfaite qu'il ne reste plus au public qu'à apprécier le spectacle et à s'évader. La vidéo devient un outil, vecteur d'images esthétiques qui offrent au spectateur la possibilité d'y imaginer ce qu'il souhaite.

C'est un spectacle qui invite son public à l'onirisme. Si rien ne vient troubler sa cohérence et sa beauté (il faut notamment penser à la projection qui, sublime, de face peut perdre de sa valeur dès que le spectateur est décentré), c'est un moment qui peut relever de l’émerveillement. De ces spectacles qui vous laissent bouche-bée du début à la fin, avec une impression extraordinaire de première fois.

Mais c'est sans compter les cinq dernières minutes du spectacle qui viennent complètement rompre avec cet univers qui, parfois, frôle le mauvais goût sans jamais l'atteindre (et c'est là une grande prouesse). Malheureusement, la subtilité s'achève dans un dernier tableau qui justement tombe dans ce mauvais goût causé par un excès dans la proposition (chanson de variété française, images sirupeuses…). La définition même de l'expression « se tirer une balle dans le pied ».

Ainsi, malgré cette image de fin qui fait sortir d'un imaginaire si bien amené par le spectacle, Le mouvement de l'air reste une pièce à voir, à savourer et, pour une fois, à contempler en se laissant porter par les propositions et le merveilleux… Et c'est cela qui est le plus plaisant.

Emeline Hervé

[1] Logiciel interactif de création d’animation se basant sur des modèles physiques existants (particules, pixels, feuilles, lignes). Ces images offrent l’illusion d’une présence numérique sur scène. Adrien Mondot anime en direct à l’aide d’une tablette et d’un stylet, les matières.